El Graduado
El clásico de Mike Nichols de 1967 .
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Películas que proyectan una sombra tan profunda como El graduado , el drama de Mike Nichols de 1967 , suelen ser las que me resultan más difíciles de reseñar. No solo es una película que he amado durante muchos años y una con la que he disfrutado la experiencia de crecer y reevaluar. Es una película de enorme influencia y sobre la que muchos han escrito muy bien antes.Sus brillantes cualidades son tan claras y abundantes que da la impresión de ser una cápsula del tiempo con el mundo actual, que no escribir sobre ella también parece un desperdicio o una ignorancia de su grandeza.
El Graduado es una película marcada por la participación juvenil de tantos artistas talentosos. Mike Nichols apenas tenía 36 años cuando se estrenó en Estados Unidos en diciembre de 1967 (y ya había disfrutado de un gran éxito en Broadway como director, algo visible aquí en su estilo teatral, que sin duda puede resultar teatral —¡con toda seguridad!— y dramático). La carrera de Nichols, si bien no está exenta de algún que otro fracaso o fracaso relativo, generalmente tiene una impresionante consistencia de calidad. Muchas de las películas de Nichols son geniales, pero pocos discutirían que alguna de ellas captura un rayo en una botella de la misma manera que lo hizo El Graduado .
¿Cómo logró esta película en particular tal hazaña? Ya sea por pura fortuna o por una brillante combinación de circunstancias, los numerosos elementos de la película encajan a la perfección. Por ejemplo, la elección del jovencísimo Dustin Hoffman para el papel. En su primer papel protagonista (uno de sus primeros papeles, en cualquier nivel), Hoffman está perfectamente elegido y ofrece una actuación sensacionalmente divertida y vulnerable, empapada de sudor, como Benjamin Braddock, el protagonista de 21 años enormemente desilusionado y alienado de Nichols, que pasa la mayor parte de la película a la deriva, sin dirección en su búsqueda del futuro seguro que siente que le han prometido toda su vida, pero que ahora que está «preparado» para ello, no le interesa.
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Pero dar todo el crédito por el éxito prolongado de esta película a Hoffman o Nichols (incluso si este último puede haber ganado el Oscar al mejor director por esta película, la única victoria de sus siete nominaciones) individualmente es no entender lo que hace que El Graduado sea una obra tan mágicamente impactante. La novela corta de Charles Webb (del mismo nombre) y el guion adaptado por Calder Willingham y Buck Henry son tan importantes como cuentan la historia del romance de Ben con la Sra. Robinson mayor (interpretada por Anne Bancroft, finalmente seleccionada sobre una enorme lista de estrellas, incluyendo a Rita Hayworth, Ingrid Bergman, Doris Day, Ava Gardner, Patricia Neal y más) que se interrumpe repentinamente cuando Ben se interesa por Elaine, la hija de la Sra. Robinson (para gran disgusto de la Sra. Robinson).
Y es prácticamente imposible imaginar esta película sin la fenomenal banda sonora de Simon & Garfunkel, que juega un papel enorme en establecer y mantener el tono melancólico que impregna la película de principio a fin (entre sus muchas risas, el equilibrio entre comedia y tragedia aquí está muy bien logrado). Las canciones son pegadizas y ciertamente escuchables en sí mismas, pero cuando acompañan a esta historia silenciosamente trágica, ganan una dimensión adicional de profundidad y significado. El uso excesivo de ‘ Scarborough Fair/Canticle ‘, que es una canción hermosa, es desafortunado (¡4 usos en 10 minutos!), pero el uso de ‘The Sound of Silence’ está cerca de ser un trabajo de banda sonora genial. ‘The Sound of Silence’ aparece tres veces en la película, cada vez desempacando las emociones tácitas dentro de la historia y los personajes; suena por primera vez durante la escena de apertura cuando conocemos a Ben por primera vez, mientras regresa a casa lleno de ansiedad e insatisfacción (‘Solo estoy un poco preocupado por mi futuro’, repite Ben a lo largo del primer acto). La canción suena por segunda vez justo después de que Ben tenga sexo con la Sra. Robinson por primera vez.
Pasar repentinamente de una divertida comedia, marcada principalmente por la torpeza social de Ben, a una canción profundamente melancólica es una clara sugerencia narrativa de su continuo descontento, una forma directa de decirle al público que, si bien Ben ha conseguido lo que creía querer, se siente igual que antes. Lo mismo ocurre en la perfecta escena final de la película, cuando Ben llega de nuevo a un punto en el que cree que debería sentirse satisfecho y realizado, pero donde el vacío de su vida lo alcanza rápidamente una vez más (¡hablaremos más sobre esta escena más adelante!). Utilizar la canción de esta manera, para comunicar directamente los sentimientos de Ben al público, es algo muy poco común en el cine (fuera de los musicales, por supuesto), y habría sido especialmente atrevido durante la década de 1960.
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Esta unión de tantas cualidades diferentes, todas funcionando con tanto éxito, es el ideal absoluto para cualquier película: la banda sonora, la historia, las actuaciones, la cinematografía (del magnífico Robert Surtees, director de fotografía de Ben Hur y The Bad and the Beautiful , ambas ganadoras de premios Oscar, que utiliza su encuadre, movimientos de cámara y colores de manera inmaculada en The Graduate ) y la dirección se unen para elevarse mutuamente: es el conjunto perfecto de varios artistas que contribuyen con un trabajo excelente a una película más grande que la suma de sus partes. Por supuesto, esta película no es tan estilísticamente abrasiva ni tan explícita en su desafío abierto al statu quo cinematográfico de Hollywood de la época en comparación con otras. Si bien su montaje parece inspirado en las primeras películas de la Nouvelle Vague francesa en sus secuencias de montaje inteligentemente cortadas (aún hoy efectivas para crear la inquietante sensación de tiempo que pasa volando y resaltar la inmovilidad de Ben) y en la escena en la que los montajes rápidos muestran la reacción de sorpresa de Ben al ver el cuerpo desnudo de la Sra. Robinson por primera vez, sin duda captura el mismo sentimiento a grandes rasgos: la desilusión colectiva que sentían los jóvenes estadounidenses de la época al darse cuenta de que no querían ser como sus padres, trabajando toda la vida buscando seguridad. Esta generación quería priorizar la experiencia sobre la seguridad, el amor y la pasión en lugar del aburrimiento. (Hay que asumir que la generación a la que pertenecen los padres de Ben sentía lo mismo por sus padres, pero casi todos terminamos en la misma situación).
Es precisamente este sentimiento de no querer ser como la generación anterior (y de no saber cómo escapar de esas limitaciones) el que gira narrativamente en torno a la película. La historia de la búsqueda de Ben por la Sra. Robinson surge en gran medida de su constante aburrimiento y se convierte en una grata distracción de sus crecientes ansiedades. Benjamin, sintiéndose perdido, busca (aunque su torpeza a veces nos haga pensar lo contrario) emoción y hedonismo en esta relación tabú con diferencia de edad, en lugar de obligarse a comprometerse con nada más. Al principio, la ansiedad de descubrir la relación parece ser un mejor lugar para Ben que enfrentarse a su inminente temor existencial sobre qué hacer con su vida. Y, por supuesto, hay una lección en el hecho de que la búsqueda de hedonismo de Ben se convierte en el detonante de muchas más complicaciones que solo acaban aumentando su ansiedad e inquietud, y lo llevan a sentirse más vacío y molesto consigo mismo, en lugar de menos.
La sensación de inquietud de Ben al principio de la película parece girar en torno a tres cuestiones. La primera es social: Ben se muestra muy incómodo, especialmente durante el primer acto, y las tomas nerviosas cámara en mano que lo acompañan por lugares públicos concurridos lo transmiten brillantemente, junto con la actuación inquieta e intranquila de Hoffman. La segunda implica sentirse atrapado, y este es otro elemento de la personalidad de Ben, que se comunica a través de la cinematografía de Robert Surtees y una ingeniosa escenografía. En la habitación de Ben, hay una pecera que aparece en muchas tomas, con un sutil énfasis en el contenido de los peces, lo que se hace más evidente en una toma que mira a través de la pecera a Ben mientras este observa a los peces; la toma está encuadrada como si Ben estuviera atrapado allí con ellos. Esta idea se hace más evidente un poco más adelante, cuando Ben recibe un traje de buceo por su cumpleaños y se sienta en el fondo de la piscina de sus padres, completamente aislado y congelado, mientras la masa de agua parece intensificarse a su alrededor y la cámara se aleja (los espectadores más perspicaces incluso notarán la figura de un buzo en la pecera, lo que hace que la metáfora visual sea más literal). En tercer lugar, Ben está paralizado por la incertidumbre sobre qué hacer con el futuro. Y por ello, divaga, pero nunca encuentra nada que lo satisfaga o que lo impulse a saber qué hacer a continuación. Es esto lo que lo lleva a seguir su corazón, hacia Elaine, y este proceso lo lleva a salir de su caparazón.
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La toma final es una de las mejores en la historia del cine (y una que ha sido copiada con bastante frecuencia, en películas como The Long Good Friday y Good Time ) debido a cómo pone en tela de juicio todo lo que ha llevado hasta este punto al tiempo que niega al público cualquier respuesta fácil o consuelo. Mientras Ben y Elaine se sientan juntos en la parte trasera de un autobús después de que él se abalanzara y (aparentemente) la salvara heroicamente de un matrimonio que ella nunca quiso contraer, ambos rostros hablan de arrepentimiento en lugar de cualquier tipo de euforia o alegría.
Esto no solo va en contra de las expectativas del público, sino que confronta el mito cinematográfico del final feliz cuando Ben hace lo que habíamos estado deseando que hiciera/lo que la película había señalado que haría y, aun así, todavía se siente terrible. El final «feliz» es sorprendentemente amargo y triste, dejando al espectador cuestionándose por querer que Ben y Elaine escapen. Hay casi una sensación de ser cómplice de su miseria, ya que nosotros también ignoramos las advertencias como la vacilación de Elaine para aceptar casarse con Ben durante el tercer acto y un momento en el que ella directamente le dice que no cree que un matrimonio entre ellos siquiera funcione.
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Una vez más, al igual que el esfuerzo maníaco y emocionante de Ben para evitar que Elaine se case está acompañado por diversas versiones de la «Sra. Robinson’, que cambian para seguir la acción de la escena (como la ingeniosa desaceleración cuando el coche de Ben se queda sin gasolina, o la repentina sacudida cuando Ben golpea el escritorio con el puño en señal de frustración, todo lo cual aumenta la emoción del momento), el uso de la música en la película deja claros puntos sobre lo que vemos visualmente: cuando ‘El Sonido del Silencio’ comienza a sonar de nuevo sobre los rostros arrepentidos de Dustin Hoffman y Katherine Ross, comprendemos de repente que, a pesar de los esfuerzos de Ben, aún no se ha acercado a la felicidad ni a la satisfacción. Es un final brillante y sombrío, la última genialidad de la película antes de dejar ir al público.
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